Dlaczego wiele indyjskich galerii koncentruje się teraz na starszych artystach

Pod koniec ubiegłego roku Amitava Das odbył solowy pokaz w New Delhi, W innym czasie jest terazZawiera szeroki zakres dzieł obejmujących jego karierę – od wczesnych dzieł od lat 60. po nowsze prace utworzone w 2015 r.. Program odbył się we współpracy z galerią Shrine Empire i galerią ekspozycji sztuki. W marcu, subkontynenty, galeria sztuki w dzielnicy Fort w Bombaju, otworzył swoje podwoje pokazem pracy późnego Haku Shaha, podkreślając siedem dekad jego artystycznej podróży. „Często opowiadane historie tworzą główny nurt narracji. Skupiamy się na przeoczonych historii sztuki”, mówi Keshav Mahendru, współzałożyciel Galerii.

„Untitled” Amitava Das Pen and Ink na papierze (1992) w Shrine Empire

Wyszukaj Shaha Jekare Angane Naurrangiya (2002) na subkontynencie | Zdjęcie: Ryan Martis

Podczas gdy w ostatniej dekadzie skupiał się bezprecedensowy skupienie się na wschodzących i wczesnej karierze artystach wizualnych-wraz z uruchomieniem takich możliwości, jak rezydencje i stypendia, nowe nagrody i dotacje, a nawet galerie, które chcą wprowadzić świeże talenty do swoich harmonogramów-nastąpiła ostatnia zmiana między instytucjami i ekosystemem galerii komercyjnej. Obecnie aktywnie interesuje się uznanymi i spóźnionymi artystami. Od retrospektyw po duże wystawy, galerie świętują starszych artystów, niezależnie od tego, czy są na emeryturze, nadal w praktyce, czy nawet zmarłych. Co prowadzi ten odejście? Rozmawiamy z wiodącymi muzeami i galerii.

„Językiem wizualnym Amitavy jest filozoficzne, poetyckie i introspektywne, podobnie jak wielu artystów, z którymi pracujemy, zwłaszcza tych, których praktyki odzwierciedlają pamięć, percepcję i kondycję ludzką”Anahita TanejaWspółzałożyciel, Shrine Empire Gallery. Das jest pierwszym artystą swojego pokolenia, który był przez nich reprezentowany.

Anahita Taneja (po prawej) i Shefali Somani

Podejście międzypokoleniowe

„Wielu artystów z późnej kariery było pionierami. Ponowne powracając do ich praktyk, uznajemy ich wkład”, mówi Isheta Salgaocar, doradca i patron Sunaparanta Goa Center for the Arts. „Na przykład wioska artysty Cholamandal jest przełomową częścią naszej współczesnej historii sztuki i uznajemy znaczenie takich kolektywów w kształtowaniu alternatywnych dyskursów sztuki”.

Ishena Salgacar

Niektóre galerie, takie jak Muzeum Sztuki i Fotografii z siedzibą w Bengaluru (MAP), przyjmują podejście międzypokoleniowe. „Naszym podejściem kuratorskim jest połączenie praktyk historycznych z teraźniejszością”, mówi założyciel Abhishek Poddar. Map pokazał dzieło Meery Mukherjee i Jaidev Baghel, dwie znaczące postacie z indyjskiej historii sztuki współczesnej, uzupełniając ją esejem fotograficznym współczesnego fotografa Jaisingh Nageswaran. „To stworzyło dodaną warstwę dla odbiorców, aby połączyć się z jedną lub drugą”, mówi Poddar.

Abhishek Poddar | Zdjęcie: arkusz Parthana

Wydruki Krishny Reddy na widoku na wystawie mapy „Rhyme Unbroken” | Zdjęcie: Philippe Calia

Wystawa 320 z siedzibą w New Delhi, znana z wspierania wschodzących i średnich głosów, tworzy przestrzeń dla starszych artystów, których praktyki oferują głębię i ciągłość. „Pokazaliśmy dzieła Gopi Gajwani, a ostatnio zaprezentowaliśmy sztukę Devraj Dakoji do opierania się na dialogu międzypokoleniowym”, mówi Rasika Kajaria, założycielka galerii.

Devraj Dakoji; S Pranamu (1987) na wystawie 320

Rasika Cabaria

Latitude 28, New Delhi, wykazuje prace starszych praktyków wraz z młodszymi artystami, aby śledzić wzajemne połączenia w ewolucji języków artystycznych. Posiadają także pokazy solo, takie jak Jyoti Bhatt. „Był decydującym elementem narracji historycznych sztuki i nadal wpływa na środowisko artystyczne i kulturowe”, mówi Bhavna Kakar, założyciel galerii.

Jyoti Bhatt’s Początek podróży Na szerokości 28

Bhavna Kakar

Wczesni zwolennicy

Kiran Nadar Museum of Art (KNMA), New Delhi, jest zaangażowany w prezentowanie różnorodnych głosów i perspektyw na swoich wystawach. „Byliśmy jednym z pierwszych, którzy przedstawili retrospektywne wystawy artystów, takich jak Himmat Shah, Jeram Patel, Rameshwar Broota i Arpita Singh. Ich praktyki artystyczne zostały niedostatecznie reprezentowane w większym dyskursie artystycznym”-mówi Roobina Karode, dyrektor i główna kuratorka, Knma. Wiele z tych głosów oświetla przełomowe momenty, które ukształtowały kolejne praktyki twórcze. Na przykład Patel użył lampy lampy, aby spalić drewno w swoich dziełach artystycznych, podczas gdy Shah badał pomysły i koncepcje przez rzeźby z terakoty.

Roobina Karode | Zdjęcie: Mohammed Roshan

Nature Morte w New Delhi zostało utożsamiane z młodymi i wschodzącymi artystami od momentu powstania w 1997 r. „Ale od 1997-2003 uwzględniliśmy dzieła FN Souza, Bhupen Khakhar, Himmat Shah, Zarina Hashmi, Krishna Reddy i Nasreen Mohammedi w pokazach grupowych. Zaczęliśmy pracować z Mona Rai i Mrinaliniini”. Peter Nagy, współzałożyciel galerii.

Peter jest duży

Ciągłe znaczenie w aktualnych czasach

Poddar twierdzi, że wykazują prace, które służą jako punkty wejścia do większych rozmów na temat tożsamości, społeczeństwa i zmian. „Nawet gdy artyści badają tematy zakorzenione w przeszłości, pytania, które postawią, pozostają dziś aktualne”, dzieli się. Praktyki takie jak praktyki Haku Shah dotyczą ponadczasowych kwestii życia, takich jak miłość i ludzkość. „Jego prace są zakorzenione, głębokie i uczciwe i zawsze będą istotne”, mówi Dhwani Gudka, współzałożycielka, subkontynentu.

TWANI Gudka (po prawej) i Keshav Mahendru | Zdjęcie kredytowe: hełm gener

Nagy mówi, że ostatni solowy pokaz Manu Parekh został zainspirowany świętymi rytuałami, głównie hinduskimi, które mają miejsce nawet dzisiaj. Parekh zyskał na znaczeniu w 2022 r. Dzięki współpracy z House of Dior. Seria 22 dzieł sztuki, zawierająca obrazy z obrazów Manu i jego żony Madhvi, służyła jako tło od podłogi do sufitu na wiosennym/letnim wybiegu Diora podczas Paris Haute Couture Week.

Manu Parekh’s Śpiew dla Shiv Shakti w świątyni w Nature Morte

Te praktyki artystyczne nie są relikwiami historii, ale wytrwałe w naszej współczesnej tkaninie społecznej i kulturalnej, dodaje Salgaocar. „Takie prace zapraszają do refleksji na temat tego, jak przeszłość nadal informuje o naszej obecnej rzeczywistości społecznej i politycznej” – mówi.

Podobnie praktyka Dakoji oferuje obiektyw, przez który można postrzegać przeszłość jako żywy, oddechowy wpływ na teraźniejszość. Kajaria uważa, że ​​jego prace eksplorują pamięć i migrację, które pozostają aktualne. „Praktyka Dakoji jest zakorzeniona w historii, ale żywa z zapytaniem, które uzupełnia ducha eksperymentalnego, który cenimy”, mówi Kajaria.

Pisarz kultury ma siedzibę w Delhi.